郑春华在精心创作
郑春华，女，河北衡水人，中国美术家协会会员。
先后毕业于北京教育学院艺术系国画专业和北京师范大学艺术与传媒学院国画专业。幼承家学，随祖父郑宏涛先生学习国画。2008年拜著名画家王振中先生为师，潜心研习写意花鸟画。中国人民大学画院孙其峰写意花鸟画工作室助理导师，中国人民大学画院郑春华工作室导师，郁华轩艺术联盟学术主持、导师。
作品获奖情况：
2010年中国画《版纳晨曲》第七届《民族百花奖 》中国各民族美术作品展优秀奖
2014年中国画《南国情思》第十二届全国美术作品展入选
2014年中国画《春华秋实》首届八大山人全国花鸟画作品展优秀奖
漫谈中国写意花鸟画
郑春华
作为中国文化的传播载体之一，中国画对我们中华民族的影响可谓深远。这其中又以写意花鸟画为胜。有实物可资证明，在人物和山水尚未作为单列的绘画对象出现之前，就已经有花鸟形象作为绘画题材形式就已出现了。约七千年前，浙江余姚河姆渡遗址中发现了鸟纹的骨雕品。但将花鸟画设为一个画种的出现却要晚得多，尽管我们现今可以在汉代的画像石与画像砖中看到不少独立的花鸟画，但作为真正意义上的花鸟画还是在魏晋南北朝时期出现的，如顾景秀画蝉雀，顾恺之画水鸟。可惜，这些花鸟画已淹没在历史的尘埃之下，而再难见到。
花鸟画，在唐代渐渐形成独立的专门画科，并在晚唐时期产生了富贵堂皇和粗放野逸风格，孕育出五代“徐黄体异”两大花鸟画流派。到了宋代，更臻妙境。出现了辉耀古今的院体工笔画和文人墨戏为发轫并得到光大的写意一路，垂范后代。
作品名称：《油菜花写生》规格：68cm*68cm
作品名称：《芦苇写生》规格：68cm*68cm
作为宫廷画院大力发展的画科，工笔一路的花鸟画在北宋时期得到了全面的发展，为后世提供了精妙绝伦的艺术珍品和创作技法，只是后人的成绩再也难与之相论，倒是以文人墨戏为发轫的写意一路，在苏轼等文人士大夫的大力倡导下愈加得到发展。当然，作为一种艺术门类的中兴，是不能忽略其发展原由的。中国绘画受中国传统文化（儒、释、道）的影响，特别是受到“中和”、“潇散”、“本真”的思想影响，故而对艺术也自然要求有了一种“含而不露”的人文精神；并逐渐形成了对“逸格”的推崇。
大量著名文人的参与其中，不但大大的丰富了笔戏的内容和创作阵营，更主要的是为写意花鸟画的发展奠定了理论基础，奠定了写意花鸟的表现性和艺术家个体生命的表达。
北宋文同（1018—1079），今四川盐亭县人，诗文书画俱佳而尤擅墨竹，开启了著名的“湖州竹派”，说文同除了创作状态与竹合一而胸有成竹以外，还以竹的枯荣浓淡寄人的悲欢穷达和心性节操（其居室命名为“墨君堂”、“竹屋”）。从其代表做《墨竹图》来看，其笔简墨润，达到了笔墨的控制高度。写侧锤竹之一梢，横空掩映，绰约多姿，虽屈而挺，生机昂然。不难发现他写竹其实是写己，是写自己潇散出尘的心胸。看到了这件创作于北宋时期的作品，也就看到了北宋时期花鸟画的新境界。也就自然会感受到花鸟画的勃勃生机。
作品名称：《秋实》规格：68cm*68cm
艺术的发展是在文化的传承基础上寻求技巧上的突破，使其表达的丰富和个性的发挥更不容易，而不是简单的技法重复和文词的堆砌，艺术的发展固然有其历史的源流关系，但是第一流的艺术家往往又是打破陈规的人，这里面区别在于个体的表达是否尊重的客观的事物的规律。
齐白石说：“画贵在似与不似之间，不似则欺世，太似则媚俗”。总结了花鸟画“似与不似之间”的绘画原则。其实作为一种以艺术来表达自己的载体，艺术家们无不重视对物象的表现，表现在不以物趣而以天趣为高，追求画外远致和笔墨韵味，重“写”不重“画”，赵孟頫首倡融书法于画理之中，并极力倡导“古意”，“作画贵有古意，若无古意，虽工无益。今人但知用笔纤细，傅色浓艳，便自谓能手，殊不知古意即亏，百病横生，其可观也？吾所作画，似乎简率，然识者知其近古，故以为佳。”对一件中国画作品中古意的要求之风影响至今。对于“古意”可以把它理解为：中和雅致的个体表达。
作品名称：《云蒙山景》规格：68cm*68cm
作品名称：《芋》规格：68cm*68cm
赵孟頫“古意”理论并非一花独放，还有吴镇的见解也甚为独到，对后世多有启发意义。他要求画家不离规矩，从追求形似入手，但是追求形似只是传神之筏，等岸舍筏，形只能是手段，不是目的，神似才是画家追求的最高目标。他极为欣赏陈与义重神似的理论，并引为同道：“尝观陈简斋《墨梅》诗云：‘意足不求颜色似，前身相马九方皋’，真知画也。”他本人的创作以出神入化见长。黄子久与他同声相应，同气相求：“梅花和尚胸襟洒落，眼界高旷，故动辄笔入神化。”笔精墨妙而后才可能有自然无碍的表达。
作品名称：《牡丹写生》规格：68cm*46cm
作品名称：《花卉杂页》规格：45cm*45cm
好的艺术作品总能带着创造者的情怀和修养，这就是中国花鸟画具有生生不息的命脉所在，这也就是影响中国人评价艺术时用来划分格调的标尺。
宋末元初的郑思肖擅画兰、竹。南宋灭亡后，四肖坐卧必向南，以表示自己丧失家国而不忘故国，其名“思肖”也含“思赵（赵字:从走肖声）”的谐音。他借写兰写菊表白怀念故土、反抗元朝的气节。《墨兰》以净墨写幽谷清兰，一枝一花，花叶萧疏。画兰不画泥土（“露根兰”），寓国土被异族践踏，清兰不愿生其上之意。此画成于1306年，此时宋亡已近30年，画家已65岁。全幅寥寥数笔，墨色淡雅，用笔写叶转折有致，叶瘦却似刀剑撇出，挺拔劲健，花细却以焦墨写出，气势不凡。题诗在右边空间，成为画的组成部分，衬托出一片浓郁清绝的氛围。真可谓“泪水和墨写《离骚》，墨点不多泪点多。”郑思肖也爱画菊，借菊花凋谢却花瓣不随风飘零的现象，独喻其孤标傲世的不屈精神。他曾在画上题诗道：“宁可枝头抱香死，何曾吹落北风中”，以画明志。
作品名称：《荷》规格：68cm*46cm
作品名称：《莴苣写生》规格：68cm*46cm
元代王冕(1287—12359），画墨梅从学北宋华光和尚和杨无咎开始，而又创造出自己的独特画风。其代表《墨梅图》，一枝梅花怒放，横逸画面。枝干以重墨写意，挺拔遒健，花朵以淡墨勾出勃勃生机，蓓蕾初绽，英气飒飒。枝干与花朵的墨色枯润、浓淡、干湿的对比，倍加显出梅花冷艳之韵和枝干峭拔之姿。画家在画上题诗道:“吾家洗砚池头树，个个花开淡墨痕，不要人夸好颜色，只留清气满乾坤。”这是其画品意境和人品气节的“夫子自道”。写意花鸟是文人画的产物。其基本法则是以个体心性为根基，将生活中的各类画、木、石、鸟等入画，并随其心境兴致而点染笔墨，逸笔草草不求形似，由画透出一种高洁超拔的人文韵致。
对于写意画，毋庸置疑，“写”是一个重要的要求，“写”即书法性。这是之所以有“书画同源”说的源头，也是对写意画家的修养要求。明代的徐渭以使气狂舞的笔墨画花卉、鱼、虫、瓜果等，墨韵横溢，笔法独特，具有“推到一世之豪杰，开拓万古之心胸”之境。这种阔略豪放、奇肆孤狂、独树一帜的画风，与他以草书入画极为相关。
写意花鸟画对于绘画中的书法性要求，其实可以理解为：借鉴书法的线条、结体章法的浓淡、疏密、欹正的关系。书法笔墨和于阴阳，因缘动静，笔到处莫不能随笔以显其神采，谓之有笔无墨，即笔精而墨不妙，则骨胜于肉，见落笔蹊径而少自然;墨到处笔不能借墨以植其骨干，谓之有墨无笔，即墨精笔不妙。有笔则精神见，有墨则意态生，笔墨双至而气韵出。而书法的疏密、违和、连断笔技法笔意在绘画中同样是具有重要的借鉴意义。
作品名称：《月季写生》规格：68cm*40cm
由于写意花鸟画的名家多为文章高手，故而可以这样理解:写意花鸟画需要文学性。这种文学性既有源于诗词的题跋增强了艺术性，更是文学意境的营造丰富了写意花鸟的内涵。在这里我们不妨试想一下，如果徐渭的《墨葡萄》没有：“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”，《榴实图》没有：深山熟石榴，向日便开口。山深少人收，颗颗明珠走。”这样的诗文时，这两件作品还会有这样强悍的生命力吗？
晤对大师经典作品，便能深切的感受到经典的力量。大师们作品中精深的文化含量与高妙的技法，都在笔墨间进入一种博大之境，是我不断的创作源泉。师前人绳墨，思当下人生是为我的创作方向，用笔墨的方式，作为交流的开始。
作品名称：《豆荚写生》规格：68cm*40cm
作品名称：《紫藤春意浓》规格：240cm*120cm
作品名称：《古梨树》规格：68cm*68cm
作品名称：《秋塘小静》规格：68cm*68cm
作品名称：《梨园春来早》规格：68cm*68cm
责编：刘中华
